DARREN ALMOND
Dark Light
20 March – 4 June 2021
Installation Views
Press Release
Galerie Max Hetzler is pleased to announce the solo exhibition Dark Light with new paintings and works on paper by Darren Almond at 57 rue du Temple, in Paris.
British artist Darren Almond works in a variety of media, spanning photography, film, installation, sculpture and painting. His diverse subjects deal with abstract ideas of time, space, history and memory, and how these concepts relate and intersect. Unearthing the symbolic and emotional potential of objects, places and situations, the artist produces works charged with historical as well as personal resonance.
For his second show with the gallery in Paris, Almond will present a selection of new paintings and works on paper inspired by the “Great Conjunction”, a rare astronomical phenomenon that recently took place in one of its most remarkable iterations in December 2020. Steeped in mythology, this celestial event occurs approximately every twenty years, when Jupiter and Saturn appear closest together in the sky. On the night of the Great Conjunction of 2020, the two planets shared the most intimate noctural proximity since 1226, appearing as a unified, gigantic and extraordinary star defying perception, space and time.
Drawing on this cosmic alignment, as well as the art of the Japanese Ukiyo-e masters, Almond has produced a series of nine large-scale paintings, each inscribed with abstracted numerical digits inlaid with precious metals and alloys – all pure conductors of light. The artist explains, “All works are multi-panelled canvases that hang on a grid format, the grid being the mathematical gateway to the abstract. The figures which roam across the composition are divided integers, fragments of base ten, a language which belies the math of understanding where and who we are. Our cosmic landscape and biological make-up all reside in this language for it informs all extremities, from describing spacetime to underlying genetic code and engineering.” Divided into subcategories, three of the works are bathed in pale washes of colour signifying daybreak, and six are composed in the deep and ruminating tones of nightfall. Across both sets of paintings, the only whole integer is 0, which Almond refers to as “infinity’s twin” for its simultaneous embodiment of everything and nothing. Rendered in aluminium, the 0 appears in each work as if in transit: the moon in orbit, the rising sun, a celestial pole.
The paintings are each activated by naturally occurring light conditions, which produce subtle shifts in their appearance throughout the day. Anchored in real time, they exist in a permanent state of flux, as nuanced as the cycle of the sky from dusk to dawn. The entrance to the show is marked by the lighter works, known as the Kyoto Snows paintings. The metal alloys, dispersed in fragmented numbers across their panels, emit a golden light which glows with the intimacy of daybreak. Some of the metal integers are buried beneath pale washes of paint, evoking the soft complexity of a changing skyscape. The works are inspired by Katsushika Hokusai’s renowned print, Morning Glories and Tree Frog, 1833-1834, a copy of which hangs upside-down in Almond’s studio. Abstracted thus from representation, Hokusai’s inverted print is recalled in the bright colour palette, ostensible flatness and intricate forms of the Kyoto Snows.
The second room introduces Almond’s Night Fall paintings, marking a shift in tone. The panels of these works are larger in scale, each painted in varying shades of indigo. Almond took Utagawa Hiroshige’s Sudden Shower over Shin-Ōhashi Bridge and Atake, 1857, as a source of inspiration for these works, captivated by its temporal ambiguity and esoteric palette. Evocative of Hiroshige’s print, fragments of metallic numbers disperse across the surface of Almond’s paintings in slanting rays, disrupting the order of the grids like falling rain or meteor showers. Subtle constellation patterns are charted in graphite, their outlines visible only to the naked eye but not the camera lens.
The paintings draw from Almond’s fascination with the Katsura Imperial Villa in Kyoto, which he became aware of through books and his travels in Japan. The works engage with the villa’s open architectural structures – a prefigure of Modernism – which were designed to frame the vast landscape and sky beyond, and the grid-like wall panels, composed in indigo and white. Each set, dark and light, originates respectively from two larger source paintings by Almond. Similarly arranged in grid formats, these, in turn, were based on the artist’s Light of Time series, 2018, a collection of photographs taken of the galaxy from the clearest point on Earth in Chile. Thus constituting fragments of landscapes, themselves fragmented, captured, and framed, these new paintings offer a profound continuation of Almond’s investigations into the cosmos, and the human fascination with the passing of time.
Four intimately scaled works on paper are also on view, each composed on gridded Somerset paper. A translucent wash of indigo Indian ink sweeps across a constellation of half-formed digits, juxtaposing mathematical structure with unbounded creativity. Titled Ephemeris, these works pertain to the trajectory of astronomical objects over the course of time. Bridging together different temporalities spanning night and day, cosmology and art history, order and chaos, Dark Light reflects on the invisible conjunctions which connect the universe.
“Whether they relate to the cycles of the day and the seasons, the ties that connect us to the Earth or the exploration of the solar system, [... Almond’s] works situate us in a complex, sometimes contradictory, relationship with the elements and the phenomena that surround us. A certain fascination and the experience of the sublime are combined with the perception of active and dynamic links; our desire to understand and master the world is mingled with the impression of belonging to the flows that pass through it.”
— Christophe Gallois, 2017
Darren Almond (*1971, Wigan, United Kingdom) lives and works in London. In 2005, he was nominated for the Turner Prize, and in 1996 he was awarded the Art & Innovation Prize by the Institute of Contemporary Art, London. Almond’s work has been the subject of solo exhibitions at international institutions including Jesus College, Cambridge (2019); Villa Pignatelli-Casa della Fotografia, Naples (2018); Mudam, Luxembourg (2017); Museum Sinclair Haus, Bad Homberg (2016); SCAI the Bathhouse, Tokyo (2016); Kunsthaus Graz, Graz (2015); Domaine de Chaumont-sur- Loire, Chaumont-sur-Loire (2012); Villa Merkel, Esslingen (2011); and FRAC Haute Normandie, Sotteville-lès-Rouen (2011), among others. His work has been included in several group shows, most recently at the Scottish National Gallery of Modern Art (Modern One), Edinburgh (2019); Leeds Art Gallery, Leeds (2019); Kunsthaus Zurich, Zurich (2019); Dojima River Biennale, Osaka (2019); The Metropolitan Museum of Art, New York (2019); Centre Pompidou-Metz, Metz (2018); Louisiana Museum of Modern Art, Humblebaek (2018); Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2018); Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna (2017); and Royal Academy of Arts, London (2015).
Darren Almond’s works are in the collections of the Art Institute of Chicago; Centre National des Arts Plastiques, Paris; Fondation Beyeler, Basel; Fonds National d’Art Contemporain, Paris; FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand; FRAC Haute Normandie, Sotteville-lès-Rouen; Kramlich Collection, San Francisco; Musée d’Art Contemporain de Montréal, Montréal; Museum Folkwang, Essen; Museum of Contemporary Art, Chicago; Museum of Modern Art, New York; Tate Gallery, London; The Metropolitan Museum of Art, New York; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna; and Queensland Art Collection, Brisbane, among others.
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La galerie Max Hetzler a le plaisir d’annoncer l’exposition personnelle de Darren Almond, Dark Light, avec des tableaux récents et des œuvres sur papier au 57 rue du Temple, à Paris.
L’artiste britannique, Darren Almond travaille une variété de supports, allant de la photographie, la vidéo, l’installation, la sculpture à la peinture. Ses sujets divers traitent d’idées abstraites telles que le temps, l’espace, l’histoire et la mémoire et comment ces concepts sont liés et se recoupent. Déterrant la symbolique et le potentiel émotionnel des objets, des lieux et des situations, l’artiste produit des œuvres chargées d’histoire et d’expériences personnelles.
Pour sa deuxième exposition à la galerie de Paris, Almond présente une sélection de tableaux et d’œuvres sur papier inspirés par la « Grande Conjonction », un rare phénomène astronomique qui s’est produit dans une itération des plus remarquable en décembre 2020. Baigné dans la mythologie, cet événement céleste se produit approximativement tous les vingt ans, quand Jupiter et Saturne apparaissent à leur rapprochement maximal. La nuit de la Grande Conjonction de 2020, les deux planètes ont partagé leur proximité nocturne la plus intime depuis 1226, apparaissant unifiées telle une étoile gigantesque et extraordinaire défiant la perception, l’espace et le temps.
Puisant dans cet alignement cosmique et dans l’art des maitres japonais de l’Ukiyo-e, Almond a produit une série de neuf tableaux grands formats, chacun portant l’inscription d’un extrait de chiffres incrustés de métaux et alliages précieux – tous conducteurs de lumière. L’artiste explique, « Toutes les œuvres sont sur toiles à panneaux multiples et dans un format de grille, la grille étant la porte d’entrée vers l’abstrait. Les figures qui errent dans les compositions sont des fractions de chiffres entiers, fragments en base de dix, un langage qui dément la science de la compréhension d’où et qui nous sommes. Notre paysage cosmique et notre constitution biologique réside dans ce langage car il informe de toutes les extrémités, de la description de l’espace-temps jusqu’à sous-tendre le code génétique et l’ingénierie. » Divisées en deux sous-catégories, trois de ses œuvres ont des couleurs pales signifiant l’aube, alors que six autres sont composées dans les tons profonds et ruminants de la tombée de la nuit. A travers ces deux séries de tableaux, le seul chiffre entier est le 0, qu’Almond désigne comme « le jumeau de l’infini », celui-ci incarnant simultanément tout et rien. En aluminium, le 0 apparait dans chaque œuvre comme en transit : la lune en orbite, le soleil levant, un pôle céleste.
Les tableaux sont naturellement activés par la lumière, produisant de subtils changements d’apparence au cours de la journée. Ancrés dans temps, ils existent dans un état de flux permanent, aussi nuancé qu’un cycle du ciel, de l’aube au crépuscule. L’entrée de l’exposition est marquée par des œuvres plus claires, les Kyoto Snows (Neiges de Kyoto). Les alliages de métal, dispersés dans les fragments de chiffres à travers les panneaux émettent une lumière dorée dont émane l’intimité de l’aube. Certains chiffres entiers métalliques sont enterrés sous des touches de couleurs pales, évoquant la douce complexité d’un ciel changeant. Les œuvres sont inspirées de la célèbre estampe de Katsushika Hokusai, Morning Gmories and Tree Frog, 1833-1834, dont une copie est accrochée à l’envers dans le studio de Darren Almond. Extraite ainsi de la représentation, l’estampe inversée d’Hokusai est rappelée par la palette vive, la planéité ostensible et les formes délicates des Kyoto Snows.
La deuxième salle présente les tableaux de la série Night Fall, marquant un changement de ton. Les panneaux de ces œuvres sont de plus grande taille, chacun peint dans des nuances d’indigo. Almond a pris Sudden Shower over Shin-Ōhashi Bridge and Atake (1857), d’Utagawa Hiroshige comme source d’inspiration pour ces œuvres, captivé par son ambiguïté temporelle et sa palette ésotérique. Évoquant l’estampe d’Hiroshige, des fragments de chiffres métalliques dispersés sur la surface des tableaux d’Almond, en rayons obliques, perturbent l’ordre des grilles comme des pluies tombantes ou pluies de météorites. Des motifs subtils de constellation sont tracés en graphite, leurs contours visibles uniquement à l’œil nu.
Les tableaux s’inspirent de la fascination d’Almond pour la Villa Impériale Katsura à Kyoto, qu’il a découvert à travers ses lectures et ses voyages au Japon. Les oeuvres s’articulent autour des structures architecturales ouvertes de la villa - qui préfigurent le Modernisme - conçues pour encadrer le vaste paysage et le ciel au-delà, et ses panneaux muraux en forme de grille, composés d’indigo et de blanc. Chaque série, sombre et claire, origine de deux plus grands tableaux d’Almond. Également disposés en grille, ils sont basés sur la série Light of Time, 2018, une collection de photos de la galaxie prises au point le plus dégagé sur Terre, au Chili. Constituant ainsi des fragments de paysages, eux-mêmes fragmentés, saisis et encadrés, ces nouveaux tableaux offrent une continuité approfondie des enquêtes de l’artiste sur le cosmos, ainsi que la fascination de l’humain pour le passage du temps.
Quatre œuvres sur papier, de taille plus intime, sont aussi exposées, chacune composée sur du papier Somerset quadrillé. Un lavis translucide d’encre de Chine indigo balaie une constellation de chiffres à moitié formés, juxtaposant la structure mathématique à une créativité sans limite. Intitulées Ephemeris, ces œuvres se rapportent à la trajectoire des objets astronomiques au fil du temps. Rapprochant différentes temporalités, traversant le jour et la nuit, la cosmologie et l’histoire de l’art, l’ordre et le chaos, Dark Light réfléchit aux conjonctions invisibles qui relient l’univers.
« Qu’elles évoquent les cycles du jour et des saisons, les liens qui nous lient à la Terre ou l’exploration du système solaire [...] les œuvres de Darren Almond nous situent dans une relation complexe, parfois contradictoire, aux éléments et aux phénomènes qui nous entourent. Une certaine fascination et l’expérience du sublime se conjuguent avec la perception de liens dynamiques et actifs ; notre souhait de comprendre et de maîtriser le monde se mêle à l’impression d’appartenir aux flux qui le traversent. »
– Christophe Gallois
Darren Almond (*1971, Wigan, Royaume Uni) vit et travaille à Londres. En 2005, il est nommé pour le Turner Prize, et en 1996 il reçoit le prix Art & Innovation de l’Institute of Contemporary Art de Londres. Le travail d’Almond a fait l’objet d’expositions personnelles dans des institutions internationales, notamment Jesus College, Cambridge (2019); Villa Pignatelli-Casa della Fotografia, Naples (2018); Mudam, Luxembourg (2017); Museum Sinclair Haus, Bad Homberg (2016); SCAI the Bathhouse, Tokyo (2016); Kunsthaus Graz, Graz (2015); Domaine de Chaumont-sur-Loire, Chaumont-sur- Loire (2012); Villa Merkel, Esslingen (2011); et la FRAC Haute Normandie, Sotteville-lès-Rouen (2011).
Son travail a aussi été présenté dans des expositions de groupe, le plus récemment à la Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh (2019); Leeds Art Gallery, Leeds (2019); Kunsthaus Zurich, Zurich (2019); Dojima River Biennale, Osaka (2019); The Metropolitan Museum of Art, New York (2019); Centre Pompidou-Metz, Metz (2018); Louisiana Museum of Modern Art, Humblebaek (2018); Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2018); Thyssen- Bornemisza Art Contemporary, Vienne (2017); et Royal Academy of Arts, Londres (2015).
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41 Dover Street, Londres
12 juin — 8 août 2021
Ai Weiwei
57, rue du Temple, Paris
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麦克斯·赫茨勒画廊荣幸于线上率先呈现艺术家达伦 · 艾蒙(Darren Almond)的个展“黑暗之光”(Dark Light), 展出一系列最新创作的油画以及纸上作品。
英国艺术家达伦 · 艾蒙的作品涵盖摄影、电影、装置、雕塑和绘画等多种媒介。他的多样的主题涉及抽象概念中的时间、空间、历史和记忆,以及这些概念之间的关系和交叉。在挖掘物体、地点和情境的象征性和情感潜力,艺术家的创作充满了历史和个人的共鸣。
在巴黎画廊的第二次展览中,艾蒙将展出一系列新画作和纸上作品,灵感来自于 “大合相”这一种罕见的天文现象,最近在2020年12月发生了最显著的迭代。这个具有神话般的天象,大约每隔20年就会发生一次,木星与土星会在天空中呈现出最近的距离。在2020年的大合相之夜,这两颗行星展现了自1226年以来最亲密的接触,以一颗看似统一的、巨大的、非凡的恒星,挑战了既有的认知、空间和时间的概念。
借鉴这种宇宙中的排列,以及日本浮世绘大师的艺术造就,艾蒙创作了一组九件大尺幅的绘画作品,每幅作品都刻有抽象的数字,镶嵌着贵重的金属和合金 —— 它们都是光的纯导体。艺术家解释说:“所有作品都是以多幅画布悬挂在网格支架的形式呈现,网格是通往抽象的数学之门。漫游在构图中的数字是被分割的整数,是基数10的碎片,是一种数学的语言隐含了理解我们在哪里,我们是谁的方式。我们的宇宙景观和生物构成都驻扎在这种语言中,因为它贯穿了所有的极限,从描述时空到底层的遗传密码和工程。” 按子类划分,其中三幅作品沉浸在象征黎明的淡淡的色彩洗礼中,六幅作品则是以夜幕降临的深沉和沉思的色调构成。在这两组画作中,唯一的整数是0,艾蒙称其为 “无限的孪生兄弟”,因为它同时体现了万物和虚无。在铝质材料的渲染下,0在每件作品中都仿佛出现在中途:轨道上的月亮、初升的太阳、天体的极点。
每幅画作都被自然发生的光照条件所激活,在一天中产生微妙的视觉变化。这些画作被固定在实时发生中,同时又长期存在于变化之中,就像天空从黄昏到黎明的周期一样微妙。展厅的入口处是名为《京都瑞雪》的轻盈作品。这些用合金绘制的零碎数字散布在画板上,散发着金色的光茫,闪烁着黎明的亲切感。另外一些金属色的完整数字被埋藏在淡淡的油画颜料之下,唤起了发生在的天际景观中微弱且复杂的变化。作品的灵感来自葛饰北斋的著名版画《晨光与树蛙》(Morning Glories and Tree Frog,1833-1834年),它倒挂在艾蒙的工作室里。北斋的倒立版画就这样从表现中抽离出来,在明亮的色调、表面上的平坦和复杂的京都雪景中被唤起。
第二个展厅介绍了艾蒙的《桂离宫夜至》画作,标志着色调的转变。这些作品的画幅较大,每件作品都绘有深浅不一的靛蓝色。艾蒙将宇多川广重的《新大桥和阿竹上的骤雨》(Sudden Shower over Shin-Ōhashi Bridge and Atake,1857年)作为这些作品的灵感来源,艺术家被其时间上的模糊性和神秘的调色板所吸引。让人联想到宇多川广重的版画,碎片化的金属数字在艾蒙的画面上以斜线的形式散落,像落雨或流星雨一样打乱了网格的秩序。微妙的星座图案用石墨绘制,它们的轮廓只有肉眼才能识别,而无法被相机镜头捕捉。
这些画作来自于艾蒙对京都桂离宫的迷恋,艺术家通过书籍和在日本的旅行深度了解了这处建筑。这些作品与别墅的开放性建筑结构(具有现代主义的先兆特征)有关,它的结构设计是为了勾勒出外面广阔的风景和天空,以及由靛蓝和白色组成的网格状墙板。每一组,无论深色还是浅色,分别来源于艾蒙的两幅较大的原作。同样以网格格式排列,这些作品也是基于艺术家的《时间之光》系列,它来自于2018年,拍摄于智利——这一地球上最佳捕捉的银河系的照片集。因此,这些新画构成了景观的碎片,它们本身也是碎片化的,被捕捉到的,被框定的,这些新画为艾蒙对宇宙的调研,以及人类对时间流逝的迷恋提供了深刻的延续。
此外,本次展览同时呈现了四件小尺幅的纸上作品,每件作品都是用格子状的萨默塞特纸创作而成。半透明的印度靛蓝墨水滑过一个半成型的数字星际,将数学结构与无限的创造力并置。这些名为《星历表》的作品涉及天体在时间上的轨迹。“黑暗之光” 将不同的时空衔接在一起,跨越黑夜与白昼、宇宙学与艺术史、秩序与混沌,反映了连接宇宙的无形结点。
达伦 · 艾蒙
1971年出生于英国威根(Wigan), 现生活, 工作于伦敦。
他曾于2005年获透纳奖提名, 1996年荣获伦敦当代艺术中心的艺术与创新大奖。
艺术家的个展包括: 剑桥耶稣学院(2019年); 皮尼亚特利庄园摄影博物馆(Villa Pignatelli-Casa della Fotografia), 那不勒斯 (2018); Mudam, 卢森堡 (2017); 辛克莱之屋(Museum Sinclair Haus), 巴特洪堡(2016); SCAI the Bathhouse, 东京 (2016); 格拉茨美术馆, 格拉茨 (2015); 卢瓦尔河畔肖蒙园林区 (2012); 莫克尔别墅(Villa Merkel), 埃斯林根 (2011); 上诺曼底大区当代艺术基金会, 索特维勒莱鲁昂 (2011)等。
艺术家的作品曾在以下机构的群展中展出: 苏格兰国立现代艺术博物馆, 爱丁堡 (2019); 利兹艺术画廊(2019); 苏黎世美术馆(2019); 堂岛河流双年展(Dojima River Biennale), 大阪 (2019); 纽约大都会艺术博物馆(2019); 梅斯蓬皮杜中心 (2018); 路易斯安那现代艺术博物馆, 胡姆勒拜克 (2018); 锡恩美术馆, 法兰克福(2018); 提森–波尔纳米绍当代艺术馆, 维也纳 (2017); 皇家艺术学院, 伦敦 (2015)等。艺术家的作品被收藏于: 芝加哥艺术学院; 国家造型艺术中心, 巴黎; 贝耶勒基金会, 巴塞尔; 法国当代艺术基金会, 巴黎; 奥弗涅区当代艺术基金会, 克莱蒙费朗; 上诺曼底大区当代艺术基金会, 索特维勒莱鲁昂; 克拉姆里奇收藏, 旧金山; 蒙特利尔当代艺术博物馆; 福克旺博物馆, 埃森; 芝加哥当代艺术博物馆; 纽约现代艺术博物馆; 泰特美术馆, 伦敦; 纽约大都会艺术博物馆; 提森–波尔纳米绍当代艺术馆, 维也纳; 昆士兰艺术收藏, 布里斯班等。